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Un sistema de estudio es un método de realización de películas en el que la producción y distribución de películas está dominada por un pequeño número de grandes estudios cinematográficos . Se usa con mayor frecuencia en referencia a los estudios cinematográficos de Hollywood durante la Edad de Oro de Hollywood desde la década de 1920 hasta la de 1960, donde los estudios produjeron películas principalmente en sus propios lotes de filmación con personal creativo bajo contratos a menudo a largo plazo, y dominaron la exhibición a través de la integración vertical. , es decir, la propiedad o control efectivo de los distribuidores y exhibición , garantizando ventas adicionales de películas a través de técnicas manipuladoras de reserva comobloque de reserva .

El sistema de estudio fue desafiado bajo las leyes antimonopolio en un fallo de la Corte Suprema de 1948 que buscaba separar la producción de la distribución y exhibición y puso fin a tales prácticas, acelerando así el fin del sistema de estudio. En 1954, con la televisión compitiendo por la audiencia y el último de los vínculos operativos entre un importante estudio de producción y la cadena de teatros roto, la era histórica del sistema de estudios había terminado.

Algunos historiadores del cine se refieren al período que se extiende desde la introducción del sonido hasta el comienzo de la desaparición del sistema de estudio, 1927-1948, como la Edad de Oro de Hollywood. La Edad de Oro es una distinción puramente técnica y no debe confundirse con el estilo en la crítica cinematográfica conocido como cine clásico de Hollywood , un estilo de cine estadounidense que se desarrolló entre 1917 y 1963 y lo caracteriza hasta nuestros días. Durante la llamada Edad de Oro, ocho empresas constituyeron los principales estudios que promulgaron el sistema de estudios de Hollywood. De estos ocho, cinco eran conglomerados totalmente integrados, que combinaban la propiedad de un estudio de producción, una división de distribución y una importante cadena de cines, y la contratación de artistas intérpretes o ejecutantes y personal cinematográfico:

Sonido y los cinco grandes [ editar ]

Los años 1927 y 1928 generalmente se consideran el comienzo de la Edad de Oro de Hollywood y los últimos pasos importantes para establecer el control del sistema de estudio del negocio cinematográfico estadounidense. El éxito de The Jazz Singer de 1927 , el primer "talkie" de largometraje (de hecho, la mayoría de sus escenas no tenían sonido grabado en vivo ) dio un gran impulso al entonces mediano estudio de Warner Bros. El año siguiente se produjo la introducción generalizada del sonido en toda la industria y dos éxitos más para Warner: The Singing Fool , la continuación aún más rentable de The Jazz Singer , y la primera función de Hollywood "que habla todo", Lights of New York.. Igual de importantes fueron varios desarrollos fuera de la pantalla. Warner Bros., ahora llena de ingresos, adquirió la extensa cadena de teatros Stanley en septiembre de 1928. Un mes después, compró una participación mayoritaria en la productora First National , más prominente que la propia Warner no mucho antes. Con la adquisición de First National llegó no solo un estudio de 55 acres (55 hectáreas) y un lote de respaldo, sino otra gran serie de salas de cine. Warner había tenido un gran éxito.

El último de los "Cinco Grandes" conglomerados de Hollywood de la Edad de Oro surgió en 1928: RKO . La Radio Corporation of America ( RCA ), dirigida por David Sarnoff , estaba buscando formas de explotar las patentes de sonido de cine, RCA Photophone recientemente registrado , propiedad de su empresa matriz, General Electric . Mientras las principales compañías de producción cinematográfica se preparaban para firmar acuerdos exclusivos con Western Electric para su tecnología, RCA entró en el negocio de las películas. En enero, General Electric adquirió una participación considerable en Film Booking Offices of America (FBO), una distribuidora y pequeña productora propiedad de Joseph P. Kennedy., padre del futuro presidente John F. Kennedy . En octubre, a través de una serie de transferencias de acciones , RCA obtuvo el control tanto de FBO como de la cadena de teatros Keith-Albee-Orpheum ; fusionándolos en una sola empresa, creó Radio-Keith-Orpheum Corporation, Sarnoff presidiendo la junta. Con RKO y Warner Bros. (que pronto se convertiría en Warner Bros. – First National) uniéndose a Fox, Paramount y Loew's / MGM como actores principales, los Cinco Grandes que permanecerían durante treinta años ahora estaban en su lugar.

Aunque RKO fue una excepción, los jefes de los estudios de la costa oeste, los 'magnates del cine', habían estado en su lugar durante algunos años: Louis B. Mayer en MGM, Jack L. Warner en Warner Bros., Adolph Zukor en Paramount. , Darryl F. Zanuck (en 20th Century Fox desde 1935), Carl Laemmle en Universal y Harry Cohn en Columbia.

Reinado de las mayores y primer declive [ editar ]

La clasificación de los Cinco Grandes en términos de rentabilidad (estrechamente relacionada con la participación de mercado) fue en gran medida constante durante la Edad de Oro: MGM fue el número uno once años consecutivos, 1931-1941. Paramount, el estudio más rentable de la primera era del sonido (1928–30), se desvaneció durante la mayor parte de la década siguiente, y Fox fue el número dos durante la mayor parte del reinado de MGM. Paramount comenzó un ascenso constante en 1940, y finalmente superó a MGM dos años después; desde entonces hasta su reorganización en 1949 volvió a ser el más exitoso económicamente de los Cinco Grandes. Con la excepción de 1932, cuando todas las empresas, excepto MGM, perdieron dinero y RKO perdió algo menos que sus competidores, RKO fue la penúltima o (por lo general) la última de todos los años de la Edad de Oro, y Warner generalmente se mantuvo al lado en la parte posterior de la El paquete. De los mayores menores, los Tres Pequeños,United Artists se mantuvo firme en la retaguardia, con Columbia más fuerte en la década de 1930 y Universal por delante durante la mayor parte de la década de 1940.[1]

El éxito de Hollywood creció durante la Gran Depresión , posiblemente porque las películas ayudaron al público a escapar de sus dificultades personales. El presidente Franklin Delano Roosevelt dijo de Shirley Temple : "Cuando el espíritu de la gente es más bajo que en cualquier otro momento durante esta Depresión, es algo espléndido que por solo quince centavos un estadounidense pueda ir al cine y mirar la cara sonriente de un bebé y olvídate de sus problemas ". [2]En 1939 había 15.000 salas de cine en los Estados Unidos, más que los bancos; el número de teatros per cápita era el doble que el de mediados de los años ochenta. La industria del cine era más grande que la de las máquinas de oficina. Si bien es el decimocuarto más grande por ingresos, fue el segundo en el porcentaje de ganancias que recibieron sus ejecutivos. A grandes estrellas como Bing Crosby y Claudette Colbert se les pagaba más de 400.000 dólares al año (7.352.153 dólares en la actualidad [3] ). [4]

El fin del sistema y la muerte de RKO [ editar ]

Una de las técnicas utilizadas para respaldar el sistema de estudio fue la reserva en bloque , un sistema de venta de varias películas a un cine como una unidad. Dicha unidad (cinco películas era la práctica estándar durante la mayor parte de la década de 1940) incluía típicamente solo una película particularmente sobresaliente, el resto una mezcla de imágenes de presupuesto A de menor calidad y películas B. [5] Como escribió la revista Life en 1957 en una retrospectiva sobre el sistema de estudio, "No era un buen entretenimiento ni era arte, y la mayoría de las películas producidas tenían una mediocridad uniforme, pero también eran uniformemente rentables ... . La mediocridad del millón de dólares era la columna vertebral de Hollywood ". [6]

El 4 de mayo de 1948, en una demanda federal antimonopolio conocida como el caso Paramount entablado contra todos los Cinco Grandes, la Corte Suprema de los Estados Unidos prohibió específicamente la reserva en bloque. Sosteniendo que los conglomerados efectivamente estaban violando las leyes antimonopolio, los jueces se abstuvieron de tomar una decisión final sobre cómo se debería remediar esa falta, pero el caso fue enviado de vuelta al tribunal inferior del que había salido con un lenguaje que sugería el divorcio: el separación completa de los intereses de exhibición de las operaciones del productor-distribuidor — fue la respuesta. Los Cinco Grandes, sin embargo, parecían unidos en su determinación de luchar y prolongar los procedimientos legales durante años, como ya habían demostrado ser expertos; después de todo, la demanda de Paramount se había presentado originalmente el 20 de julio de 1938.

Sin embargo, tras bambalinas en RKO, durante mucho tiempo el conglomerado económicamente más inestable, el fallo judicial llegó a ser visto como un desarrollo que podría utilizarse en beneficio del estudio. El mismo mes en que se tomó la decisión, el multimillonario Howard Hughes adquirió una participación mayoritaria en la empresa. Como RKO controlaba la menor cantidad de teatros de cualquiera de los Cinco Grandes, Hughes decidió que iniciar un efecto dominó de divorcio podría ayudar a poner su estudio en un pie de igualdad con sus competidores. Hughes señaló su disposición al gobierno federal para celebrar un decreto de consentimiento.obligando a la ruptura de su negocio cinematográfico. Según el acuerdo, Hughes dividiría su estudio en dos entidades, RKO Pictures Corporation y RKO Theatres Corporation, y se comprometería a vender su participación en una u otra antes de una fecha determinada. La decisión de Hughes de conceder el divorcio socavó de manera terminal el argumento de los abogados del resto de los Cinco Grandes de que tales rupturas eran inviables.

Si bien hoy en día muchos señalan el fallo de la corte de mayo, en realidad es el acuerdo de Hughes con el gobierno federal —firmado el 8 de noviembre de 1948— el que fue verdaderamente el toque de gracia para la Edad de Oro de Hollywood. Paramount pronto capituló, firmando un decreto de consentimiento similar en febrero siguiente. El estudio, que había luchado contra el divorcio durante tanto tiempo, se convirtió en el primero de las mayores en separarse, antes de lo previsto, finalizando la desinversión el 31 de diciembre de 1949. Para entonces, había 19.000 salas de cine en Estados Unidos. [7]

A través del trato de Hughes con las autoridades federales y de los otros estudios que pronto siguieron, el sistema de estudios se mantuvo durante otra media década. El principal estudio que se adaptó a las nuevas circunstancias con el éxito más inmediato fue el más pequeño, United Artists; bajo un nuevo equipo de administración que asumió el cargo en 1951, los gastos generales se redujeron al rescindir su acuerdo de arrendamiento con la planta de producción de Pickford-Fairbanks y se forjaron nuevas relaciones con productores independientes, que ahora a menudo implican inversión directa, un modelo de negocio que Hollywood emularía cada vez más. en los próximos años. El sistema de estudio en torno al cual se había organizado la industria durante tres décadas finalmente expiró en 1954, cuando Loew's, el último reductor, rompió todos los vínculos operativos con MGM.

La táctica de Hughes ayudó a romper el sistema de estudio, pero hizo poco por RKO. Su liderazgo disruptivo, junto con el desvío de las audiencias hacia la televisión que estaba afectando a toda la industria, afectó al estudio, algo que fue evidente para los observadores de Hollywood. Cuando Hughes trató de salir de su interés en la RKO en 1952, tuvo que recurrir a un sindicato con sede en Chicago dirigido por traficantes turbios sin experiencia cinematográfica. El trato fracasó, por lo que Hughes volvió a estar a cargo cuando la cadena de teatros RKO finalmente se vendió como se ordenó en 1953. Ese año, General Tirey Rubber Company, que estaba expandiendo su pequeña división de transmisión de una década, se acercaron a Hughes en relación con la disponibilidad de la biblioteca de películas de RKO para la programación. Hughes adquirió casi la totalidad de la propiedad de RKO Pictures en diciembre de 1954 y realizó una venta con General Tire para todo el estudio el verano siguiente.

Los nuevos propietarios recuperaron rápidamente parte de su dinero vendiendo los derechos de televisión de la biblioteca que atesoraban a C&C Television Corp., una subsidiaria de la compañía de bebidas. (RKO retuvo los derechos de las pocas estaciones de televisión que General Tire había traído). Según el acuerdo, las películas fueron despojadas de su identidad RKO antes de ser enviadas por C&C a las estaciones locales; se eliminó el famoso logotipo de apertura, con su globo terráqueo y su torre de radio, al igual que las demás marcas comerciales del estudio.

De vuelta en Hollywood, los nuevos propietarios de RKO estaban teniendo poco éxito en el negocio de la realización de películas y en 1957 General Tire cerró la producción y vendió las instalaciones principales de RKO a Desilu , la productora de Lucille Ball y Desi Arnaz . Al igual que United Artists, el estudio ya no tenía estudio; a diferencia de UA, apenas poseía sus viejas películas y no veía ningún beneficio en la realización de nuevas. En 1959 abandonó por completo el negocio del cine.

En Europa y Asia [ editar ]

Si bien el sistema de estudios se identifica en gran medida como un fenómeno estadounidense, las productoras cinematográficas de otros países lograron y mantuvieron en ocasiones una integración completa de una manera similar a los Cinco Grandes de Hollywood. Como describe el historiador James Chapman,

En Gran Bretaña, solo dos empresas lograron una integración vertical completa ( Rank Organisation y Associated British Picture Corporation ). Otros países donde se produjo algún nivel de integración vertical fueron Alemania durante la década de 1920 (Universum Film Aktiengesellschaft o Ufa ), Francia durante la década de 1930 ( Gaumont -Franco-Film-Aubert y Pathé -Natan) y Japón ( Nikkatsu , Shochiku y Toho ). En Hong Kong, Shaw Brothers adoptó el sistema de estudio para su wuxiapelículas a lo largo de las décadas de 1950 y 1960. India, que representa quizás el único rival serio de la industria cinematográfica estadounidense debido a su dominio tanto del mercado propio como de la diáspora asiática, nunca ha logrado, en cambio, ningún grado de integración vertical. [8]

Por ejemplo, en 1929 casi el 75 por ciento de las salas de cine japonesas estaban conectadas con Nikkatsu o Shochiku, los dos estudios más grandes de la época. [9]

Después del sistema [ editar ]

Nos encontramos ... tratando con corporaciones más que con individuos.

-  Harry Cohn de Columbia Pictures, 1957 [6]

Sistema impulsado por estrellas [ editar ]

En la década de 1950, Hollywood enfrentó tres grandes desafíos: el caso de Paramount que puso fin al sistema de estudios, la nueva popularidad de la televisión y el gasto del consumidor posterior a la Segunda Guerra Mundial que proporcionó a su audiencia muchas otras opciones de ocio. La escala tanto de los éxitos de taquilla como de los fracasos creció, con un "medio peligroso" que consiste en películas que en la era anterior habrían ganado dinero. Un cineasta declaró en 1957 que "[e] l un desastre absoluto hoy es hacer una mediocridad de un millón de dólares. Uno de estos puede perder no sólo su inversión total, sino toda su camisa". Para ese año, Hollywood solo estaba haciendo alrededor de 300 largometrajes al año, en comparación con alrededor de 700 durante la década de 1920. [6] Darryl F. Zanuck , director de 20th Century Fox,no tuvo ninguna relación directa con el estudio desde 1956 hasta 1962,[10] y Louis B. Mayer , despedido en 1951 de MGM, murió en 1957. [11] Harry Cohn de Columbia, que murió al año siguiente, [12] informó a los inversores en el informe anual del estudio de 1957 que:

Nos encontramos en un mercado altamente competitivo para estos talentos [estrellas, directores, productores, escritores]. Bajo las estructuras tributarias actuales, el salario de aquellos con los que estamos tratando es menos atractivo que la oportunidad de obtener ganancias de capital. Nos encontramos, por lo tanto, tratando con corporaciones más que con individuos. También nos vemos obligados a negociar en términos de un porcentaje de las ganancias de la película, en lugar de un salario garantizado como en el pasado. Esto es más notable entre las estrellas principales. [6]

La mayoría de los actores se convirtieron en autónomos después del fin del sistema de estudios. [13] Los patrocinadores financieros demandaron cada vez más actores, directores y escritores estrella para proyectos que redujeran el riesgo de fracaso. La creciente importancia del mercado extranjero —40 a 50% de los ingresos totales de Hollywood en 1957— también enfatizó los nombres de las estrellas como atracciones de taquilla. Con su nuevo poder, "trabajar por nada" (recibir un porcentaje de las ganancias en lugar de un salario) se convirtió en un símbolo de estatus para las estrellas. Un actor importante podría esperar el 50% de las ganancias, con una garantía mínima, o el 10% de los ingresos brutos. Cary Grant , por ejemplo, recibió más de $ 700,000 (equivalente a $ 5.3 millones en 2019) de su 10% de lo bruto por To Catch a Thief (1955), mientras que el director y productor Alfred Hitchcockrecibió menos de $ 50,000. En un caso extremo, Paramount prometió a Marlon Brando el 75% de las ganancias de lo que se convirtió en One-Eyed Jacks (1961). (Debido a la contabilidad de Hollywood , los estudios todavía recibían gran parte de los ingresos antes de cualquier participación en las ganancias; por lo tanto, preferían el 50% de las ganancias al 10% del bruto). Los cheques de pago más grandes también aumentaron el poder de los agentes de talento como Lew Wasserman de MCA, cuya oficina ahora se llamaba " Fort Knox ". [6]

En 1957, los productores independientes hicieron el 50% de los largometrajes estadounidenses. Más allá de trabajar para otros, los mejores actores como Gregory Peck y Frank Sinatra crearon sus propias compañías de producción y compraron guiones. Los principales directores independientes George Stevens , Billy Wilder y William Wylertambién vieron aumentar sus sueldos, en parte porque su participación atrajo a actores estrella. Los estudios proporcionaron cada vez más fondos e instalaciones a productores independientes en lugar de hacer sus propias películas, o al igual que United Artists, se centraron en la distribución. Si bien la televisión había dañado a Hollywood, las productoras de televisión como Desilu y las divisiones de televisión de los estudios cinematográficos ayudaron a salvar la industria mediante el uso de instalaciones que de otro modo no se utilizarían. [6]

Distribución, televisión, recesión y conglomerado de Hollywood [ editar ]

A principios de la década de 1960, los principales estudios comenzaron a reeditar películas más antiguas para su distribución y se transformaron en producir principalmente películas para televisión y películas B para satisfacer la demanda de programación de la televisión. [14] Entre 1969 y 1971, la industria experimentó una severa recesión, debido en parte a fracasos de grandes presupuestos, pero pronto se recuperó artísticamente con películas como El padrino (1972) y Chinatown (1974).

El inicio de George Lucas 's Star Wars (1977) se convirtió en el prototipo de la moderna exitosa . [15] El estreno de películas en cientos de lugares se convirtió en la norma con éxitos como las secuelas de Star Wars de Lucas , The Empire Strikes Back y Return of the Jedi , los éxitos consecutivos de Spielberg con Raiders of the Lost Ark y ET. el extraterrestre , y el desarrollo del vídeo doméstico y la televisión por cable. Mientras tanto, el presupuesto descontrolado de Heaven's Gate (1980) y sus limitados ingresos de taquilla llevaron a la venta de United Artists.

De 1990 a 1995, New Hollywood se convirtió más en un conglomerado de Hollywood y rápidamente dominó toda la industria del entretenimiento global. [16] Hoy, tres de las mayores de la Edad de Oro continúan existiendo como importantes entidades de estudios de Hollywood, todas las cuales ahora son propiedad de un conglomerado de medios más grande: Paramount (propiedad de National Amusements a través de ViacomCBS ), Warner Bros. (propiedad de AT&T a través de WarnerMedia ) y Universal (propiedad de Comcast a través de NBCUniversal ). Además, hasta la fecha, Sony Pictures (propiedad de Sony ) se formó mediante la fusión de Columbia y Tri-Star, mientras que Walt Disney Studios(propiedad de Disney ) se ha convertido en un importante, lo que resultó en un "Big Six" hasta que la adquisición de 20th Century Fox por parte de Disney anunciada a fines de 2017 se completó a principios de 2019, convirtiéndose en un "Big Five" una vez más. Sin incluir a Walt Disney, todos estos llamados grandes estudios se basan esencialmente en el modelo, no de los clásicos Big Five, sino de los viejos United Artists: es decir, son principalmente distribuidores-patrocinadores (y arrendadores de estudios físicos) en lugar de empresas de producción reales.

Sony, además de la propiedad de su estudio homónimo, también tiene un control efectivo de la relativamente pequeña encarnación actual de MGM y su subsidiaria UA; bajo el paraguas de Sony, MGM / UA opera como un "mini-major", nominalmente independiente pero estrechamente asociado con Columbia y TriStar. En 1996, Time Warner adquirió el otrora independiente New Line Cinema a través de la compra de Turner Broadcasting System . En 2008, New Line se fusionó con Warner Bros., donde continúa existiendo como subsidiaria. Cada uno de los Cinco Grandes de hoy controla divisiones " arthouse " casi independientes , como Paramount Vantage . Películas Miramax(que originalmente era un estudio independiente) fue propiedad de Disney hasta 2010. La mayoría también tiene divisiones que se enfocan en películas de género, películas B, ya sea literalmente en virtud de sus bajos presupuestos o espiritualmente, por ejemplo, Screen Gems de Sony . Una de las llamadas divisiones independientes, Focus Features de Universal , lanza películas de autor bajo esa marca principal. Tanto Focus como la división de arte de Fox , Fox Searchlight , son lo suficientemente grandes como para calificar como mini-majors. Dos grandes firmas independientes también califican como mini-majors, Lionsgate y The Weinstein Company.. Se ubican en algún lugar entre las versiones de los últimos días de la vieja "mayor-menor", al igual que Columbia y Universal en las décadas de 1930 y 1940, excepto que Lionsgate y The WC tienen aproximadamente la mitad de su participación de mercado, y los principales equipos de producción independiente de la Edad de Oro como Samuel Goldwyn Inc. y las empresas de David O. Selznick .

Era independiente y el comienzo del segundo declive [ editar ]

A mediados de la década de 2010, los principales estudios cambiaron hacia la producción de películas convencionales que atraen a la audiencia (películas de género, secuelas, 3-D y películas de superhéroes). Dado que estas películas corren el riesgo de perder dinero en taquilla (y algunas, de hecho, lo han hecho), se abrió una oportunidad para que las empresas independientes produzcan películas que en los últimos años han trastornado a otras películas de grandes estudios por el Premio de la Academia a la Mejor Película . La Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas (que produce los Premios de la Academia anuales ) generalmente otorga los Oscar a la Mejor Película a películas de gran contenido y alta calidad en lugar de la popular película convencional. En los últimos años, los múltiples premios ganados para películas independientes como Spotlight (Open Road , 2015), Moonlight ( A24 , 2016) y Parasite , ( Neon , 2019) tuvieron un gran impacto en la ingesta de taquilla de otras películas de grandes estudios, y posiblemente en el destino de los mismos estudios importantes, y aún así hoy con la última ola de películas independientes. Este dominio continuo de la película independiente es una prueba de que su éxito no depende de ningún formato de película, ya sea 3-D, CinemaScope o cualquier gran formato como IMAX . Los resultados recientes del Festival de Cine de Cannes y la falta de películas estadounidenses que ganen estos premios también pueden haber afectado el dominio del cine independiente.

Ver también [ editar ]

  • Pre-Code Hollywood

Referencias [ editar ]

  1. ^ Análisis financiero basado en Finler (1988), págs. 286-287.
  2. ^ "Shirley Temple, estrella infantil icónica, muere a los 85" , Associated Press (11 de febrero de 2014).
  3. ^ Banco de la Reserva Federal de Minneapolis. "Índice de precios al consumidor (estimación) 1800–" . Consultado el 1 de enero de 2020 .
  4. ^ Friedrich, Otto (1997). City of Nets: A Portrait of Hollywood in the 1940s (reimpresión ed.). Berkeley y Los Ángeles: University of California Press. págs.  13-14 . ISBN 0-520-20949-4.
  5. ^ Véase Schatz (1999), págs. 19-21, 45, 72.
  6. ↑ a b c d e f Hodgins, Eric (10 de junio de 1957). "En medio de las ruinas de un imperio surge un nuevo Hollywood" . Vida . pag. 146 . Consultado el 22 de abril de 2012 .
  7. ^ [Harris, Warren G. Lucy y Desi. Nueva York: Simon y Schuster, 1991. p.149]
  8. ^ Chapman (2003), p. 49.
  9. ^ Freiberg (2000), "La industria cinematográfica".
  10. ^ Douglas Martin "Richard Zanuck, productor de Blockbusters, muere a los 77" , New York Times , 13 de julio de 2012
  11. ^ Leo Verswijver (ed.) Las películas siempre fueron mágicas: entrevistas con 19 actores, directores y productores del Hollywood de los años 30 hasta los años 50 , Jefferson, NC: McFarland, 2003, p.60, n. 1
  12. ^ Fotos de Bernard F. Dick Columbia: Retrato de un estudio , University of Kentucky Press, p.2
  13. Davis, LJ (9 de julio de 1989). "Agente más secreto de Hollywood" . The New York Times . ISSN 0362-4331 . Consultado el 13 de abril de 2019 . 
  14. ^ McDonald, Wasko, Paul, Janet (2008). La industria cinematográfica contemporánea de Hollywood . MA: Blackwell Publishing. pag. 17 . ISBN 978-1-4051-3387-6.
  15. ^ McDonald, Wasko, Paul, Janet (2008). La industria cinematográfica contemporánea de Hollywood . MA: Blackwell Publishing. pag. 19 . ISBN 978-1-4051-3387-6.
  16. ^ McDonald, Wasko, Paul, Janet (2008). La industria cinematográfica contemporánea de Holywood . MA: Blackwell Publishing. págs.  25-26 . ISBN 978-1-4051-3387-6.

Fuentes [ editar ]

Publicado [ editar ]

  • Bergan, Ronald (1986). La historia de United Artists. Nueva York: Crown. ISBN 0-517-56100-X 
  • Chapman, James (2003). Cines del mundo: cine y sociedad desde 1895 hasta la actualidad. Londres: Reaktion Books. ISBN 1-86189-162-8 
  • Finler, Joel W. (1988). La historia de Hollywood. Nueva York: Crown. ISBN 0-517-56576-5 
  • Goodwin, Doris Kearns (1987). Los Fitzgerald y los Kennedy. Nueva York: Simon y Schuster. ISBN 0-671-23108-1 
  • Hirschhorn, Clive (1979). La historia de Warner Bros. Nueva York: Crown. ISBN 0-517-53834-2 
  • Jewell, Richard B., con Vernon Harbin (1982). La historia de RKO. Nueva York: Arlington House / Crown. ISBN 0-517-54656-6 
  • Orbach, Barak Y. (2004). "Antimonopolio y fijación de precios en la industria cinematográfica", Yale Journal on Regulation vol. 21, no. 2, verano (disponible en línea ).
  • Regev, Ronnie (2018). Trabajar en Hollywood: cómo el sistema de estudio convirtió la creatividad en trabajo. Chapel Hill, NC: Prensa de la Universidad de Carolina del Norte.
  • Schatz, Thomas (1998 [1988]). El genio del sistema: Cine de Hollywood en la era de los estudios Londres: Faber y Faber. ISBN 0-571-19596-2 
  • Schatz, Thomas (1999 [1997]). Boom and Bust: cine estadounidense en la década de 1940. Berkeley: Prensa de la Universidad de California. ISBN 0-520-22130-3 
  • Utterson, Andrew (2005). Tecnología y cultura: el lector de películas. Nueva York: Routledge / Taylor & Francis. ISBN 0-415-31984-6 

En línea [ editar ]

Escrito [ editar ]

  • Marca, Paul (2005). "'Bonita ciudad. Lo tomaré': Howard Hughes revisitado" , Bright Lights Film Journal 47, febrero.
  • Freiberg, Freda (2000). "Conexiones integrales: la industria cinematográfica, el teatro y el estado en el cine japonés temprano" , Proyección del pasado 11, 1 de noviembre.

Archivo [ editar ]

  • El caso antimonopolio de Hollywood, también conocido como el caso antimonopolio de Paramount, detalla la historia del archivo de investigación de la Sociedad de Productores Independientes de Películas.